写意——贯通古今的文化命题与求解（作者：何水法）

目前中国画坛一个比较明显的现象是，工笔画大大多于意笔画，尤其是大写意作品更是少之又少；另外一种现象就是大画明显多于小画。我认为，一味的追求大是没有意义的，大画不等于大手笔，很多画大而空洞，根本没有什么看头；有的猛一看效果还可以，但同样经不起推敲。那么，为什么会出现这种情况呢？我时常跟年轻的花鸟画家朋友们相互探讨：他们基本上认为，画写意作品太难了，尤其是大写意。相比较而言，工笔画可以慢慢“制作”，只要技术程序完成了，作品也就完成了。实质上，这种“技术主义”倾向，丧失了灵气与性情，丧失了艺术的天趣、率性，与古代工笔画注重笔墨的传统已有了很大偏差，它不是“写”出来的，而是描出来的。更加令人忧心的是，这种风气有愈演愈烈之势，一张稿子可以磨上几个月甚至半年时间，用上多种多样的“制作”手段，据说这样的话成功率会提高很多。而画大写意时就不可能这样，绘者只凭一枝笔狂挥疾扫，速度较快，且要照顾好构成、穿插等高难度艺术语言与处理方法，不允许出现败笔，否则难成就一张佳作。这些客观因素导致很多年轻的朋友认为画工笔画容易成功、容易达到一种比较好的效果，这就影响了现代花鸟画的健康发展。

笔墨与笔趣

其实，“写”并不只存在于写意，工笔画同时要“写”，也同样需要“大气”。我们现在的看到工笔画往往不乏精到，但缺少一种大气。为什么呢？就是因为“制作”出来的东西是不可能大气，大气是要靠“写”出来的，是生命意识的直接灌入。前者慢慢的“磨”仅仅出一种效果，而后者则体现一种思想。我们看宋人的《出水芙蓉图》，小小一把团扇上，只画一朵荷花，几片叶子，题材再常见不过，却体现了画家极高的修养与功力。这幅工笔在构图上独具章法，荷花占了较多的画面，却满而不塞，看上去饱满、空灵而很有张力，方尺之内让我们充分感受到了艺术之美，意境非常好。为什么能够做到这样呢？因为笔墨是“写”出来的，是画家艺术修养的自然流露。而“制作”出来的画是没有生命力的，严格的说它甚至也不能算是艺术品。


出水芙蓉图


中国画是非常讲究笔趣的。一讲到笔趣，往往很多人会想到意笔画，特别是大写意，其实工笔画同样存在笔趣的问题。笔趣是一种境界、一种格调，是中国画的精髓，与“写”息息相关。我们可以试着想想为什么叫“写意”而不叫“画意”呢？只要达到一定的艺术修养，一枝笔千变万化，就可以带来丰富的艺术效果。写意最能真实的反映一个画家的功力与修养。最近中国美协搞了一个大写意的画展，目的就是在于重视与弘扬大写意艺术。作为画家，我们都应该关注这个问题。

写生的重要性

我们面临的另一个问题就是对写生的重视程度。现在究竟有多少画花鸟的人在踏踏实实写生？

人物画家要出好作品必须投入到火热的生活中去，这个不难理解，因为要与对象产生共鸣才能打动人。花鸟画同样存在这个问题，但是现在好多人没有认识到。花鸟画家深入生活的具体形式就是去实地接触一花一草、自然界的生灵。1975年我去菏泽画牡丹时，全国各地从黑龙江到海南，上千人专程赶来写生。但近几年我去的时候，写生的人寥寥无几。这是一种不让人乐观的倾向。现在很多人觉得拍几张照片就可以回来搞创作了，这是错误的认识，临照片与写生是两码事情。很多的东西是从生活当中来的，拍过几张照片不能等于就是深入了生活。画家必须要到生活当中来的，拍过几张照片不等于就是深入了生活。画家必须要到生活中去观察、提炼，更要带着感情完全投入其中，不断去琢磨描绘对象，这样才能画出它的神韵，画出一花一草的精神。这个是照相机绝对不能够做到的，它同时也是一次再创造的过程。自然界生命的色彩是最有生命力的色彩，你带着感情，才能与大自然融合在一起，才有可能达到天人合一的境界。只有这样你才能真正感悟到写生的真谛，认真写生是需要我们花鸟画家坚持的。不论工笔画家还是写意画家，都应该踏踏实实做到这一点。

传承与发展

我并不是很保守的“传统主义者”，但如果要谋求发展，必须要有立足点，我们的立足点就是传统。立足点在不在传统，就是有没有紧紧抓住中国花鸟画最根本的东西。

创新与传统并不矛盾，但某些人一直在此大做文章。创新要在传统的基础上创新，“推陈出新”就很辩证的说明了没有“陈”就不会有“新”。我们的传统文化就是我们引以为豪的底蕴。文物的“包浆”大家都知道，没有“包浆”就没有底蕴，变成了新的东西。上千年的积淀，不是一日之功，我们的文化被世人所公认的伟大也就在这里。西安的兵马俑令世人惊叹。几千年前中国人就创造出这么华美的艺术篇章，这就是传统文化。我们如果丢掉传统，就等于把绝大多数的财富扔掉了。我们的不断发展应该建立在继承传统的基础上。只有在吸取了传统这份养料后，我们才能不断地发掘传统、发现传统，最后的目的是发展传统，因为发展才是硬道理。

在这个问题上，首要的问题是学习传统，也就是应该要师法什么？什么是好，什么是不好一定要弄清楚，良莠不分是很糟糕的。现在很多人对这个问题很迷茫，有的人不知道什么是好的，有的人知道什么好但不知道好在哪里。古人在这方面下过很大的功夫，能沉下心去。对于现代人来说很难，来自外界的诱惑实在太多了。

我并不是主张去临摹古人的作品要做到一模一样，重要的是要学习传统的笔墨的过程中把其精髓吸收过来。艺术创作中必须拥有科学的发展观。我们不能总是停留在两宋时期的花鸟画，因为这中间经历了近千年的历史。我们要在古人的基础上开拓、发展，拿出更新的面貌，要赋予其新的境界，这很重要。重起炉灶显然是不正确的，我们要的是：在传统的基础上谋求发展，反过来又不断地丰富传统。

不管怎么样，我们一定要搞清楚前后的顺序，不论什么样的游戏都要有规则。画工笔画的没有去吸取宋人，没有考虑要老祖宗的东西，古人有这么精华的东西，都没有看到，这是不行的！我在七十年代初期请教过谢稚柳先生，他也是这样认为的。

“意”与“技”

“意”与“技”都很重要。俗话说“意在笔先”，充分说明了“意”是一幅作品的灵魂；但“技”是方法，是手段。做什么事情都要有正确的方法，具体说中锋、偏锋怎么用？弄不明白的话也没有办法画好画。吴昌硕的石鼓文用笔圆润，可以说是一种技法，但这牵涉到艺术家对历代艺术作品的研习，所以我们说，“技”其实也体现一种综合性的修养，很大程度上决定了一个艺术家是否能够成功。十分积淀画十分，三分积淀画三分。所以艺术一定要有高度、深度和广度。为了爬一座山，有人经历了千辛万苦，从山顶过去，有的人很聪明的从旁边的路绕过去，看似相同的结果实际上差很多。艺术学习也是这样，是没有捷径可走的。否则就会缺少高度和深度。没深度的东西再花哨也不见得好。象明代家具虽然简洁，但它包含了我们的文化积淀，充满了大气与美。

对中国画来说，“写意”是重要的原则，它是具有本质意义的理念，正是在这一具有文化内涵和生命底蕴的基础与前提下，才演绎出笔墨、气韵等的丰富性与多样性。

当代绘画，应十分重视对写意的研究，这样才能出好作品，才能有令人满意的发展。当然，写意作如何理解和认识，是一种文化立场、一种文化选择，以及一种文化精神的体现。

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